Insides – Jon Hopkins (2009)
Für Körper geschrieben, für Räume arrangiert
Von Rafi Mercer
Etwa vierzig Minuten nach Beginn einer Platte, die nie nachlässt, geschieht etwas mit dem Raum. Nicht gerade Müdigkeit. Eher eine Art Verschließung. Die Luft zirkuliert nicht mehr, und alle hören die Musik nicht mehr als Ereignis, sondern als eine Art Wetter. Die meisten elektronischen Alben bewirken das. Sie häufen sich an. Sie verwechseln anhaltenden Druck mit Intensität, und wenn sie zu Ende sind, kann sich niemand mehr daran erinnern, wo er war, als es begann.
Die Korrektur besteht nicht in leiserer Musik. Es ist Luft.
„Insides“ erschien am 5. Mai 2009 bei Double Six, dem Sublabel von Domino, und wurde im Laufe des Vorjahres in den Cafe Music Studios in London komponiert und aufgenommen. Zehn Titel. Achtundvierzig Minuten. Es war Jon Hopkins’ drittes Album – nach „Opalescent“ (2001) und „Contact Note“ (2004) – und das erste, bei dem ihm der Boden unter den Füßen wegbricht. Die beiden früheren Alben sind im herkömmlichen Sinne Ambient: anmutig, emotionslos. Dieses hier birgt Gewalt in sich.
Zwei Dinge trugen dazu bei, und keines davon war ein weiterer Rekord.
Der erste Aspekt war die Choreografie. Ein Großteil dieser Musik entstand ursprünglich als Partitur für „Entity“, ein Stück, das Wayne McGregor 2008 in Auftrag gegeben hatte. Das bedeutet, dass ein Großteil von „Insides“ für Körper geschrieben wurde, die Hopkins beobachten konnte – wie sie sich durch einen beleuchteten Raum bewegten, in einem festen Tempo, an bestimmten Stellen atmen mussten und einen Ort brauchten, an dem sie landen konnten. Das ist nicht die Vorgabe, nach der man arbeitet, wenn man ein Album schreibt, und der Unterschied liegt eher in der Reihenfolge der Stücke als im Klang. Musik, die dazu gedacht ist, dass sich andere Menschen dazu bewegen, muss Lücken lassen. Irgendjemand wird außer Atem sein.
An zweiter Stelle standen Coldplay. Hopkins hatte gemeinsam mit Brian Eno an „Viva la Vida“ gearbeitet, und „Light Through the Veins“ – mit seinen neuneinhalb Minuten der Dreh- und Angelpunkt des Albums – war bereits auf diesem Album erschienen, bevor es unter seinem eigenen Namen veröffentlicht wurde. Mehrere Millionen Menschen hörten das Stück, ohne zu erfahren, wer es geschrieben hatte. Es gibt eine Version dieser Geschichte, in der dies als Demütigung dargestellt wird. Das ist es aber nicht. Es hat das Publikum begeistert.
Der Klang ist menschlicher, als es das Genre vermuten lässt. Leo Abrahams an der E-Gitarre und der Drehleier. Davide Rossis E-Geige, die sich durch „Vessel“ schlängelt. Emma Smith an der Geige, Vince Sipprell an der Bratsche. Lee Muddy Baker am Schlagzeug bei „Light Through the Veins“. Und bei „A Drifting Up“ wird King Creosote als Summer genannt.
Summen. Kein Gesang. Summen.
Diese eine Anmerkung sagt mehr über die Stimmung der Platte aus als jedes Etikett im Regal. Zwei Jahre später nahmen die beiden „Diamond Mine“ auf.
Die Form ist das Errungene. „The Wider Sun“ beginnt mit Streichern und fast nichts, zwei Minuten und siebenunddreißig Sekunden lang, und dann kommen „Vessel“ und der Titeltrack mit voller Wucht – die härteste, körperlichste Musik, die er bis dahin geschaffen hatte, ein Bass mit echter Masse. „Wire.“ „Colour Eye.“ Dann braucht „Light Through the Veins“ neun Minuten, um sich zu entfalten, und tut dies so allmählich, dass es keinen erkennbaren Moment gibt, in dem es gewaltig wurde. Es ist einfach da, und dann ebbt es wieder ab. Es folgt „The Low Places“. Und dann, direkt nach dem dichtesten Abschnitt des Albums, „Small Memory“: eine Minute dreiundvierzig, Klavier, ganz allein.
Das ist das gesamte Konzept, und es stammt aus dem Tanzstudio. Kurzer Atemzug, langer Aufbau, kurzer Atemzug. Jede kraftvolle Passage wird von etwas eingerahmt, das wieder Luft hereinlässt. „Autumn Hill“ endet bei 2:40 und löst überhaupt nichts auf, was genau richtig ist.
Deshalb funktioniert es in einem Raum, in dem die Menschen eher sitzen als sich bewegen sollen. Der Dynamikumfang ist das, was die meisten elektronischen Musikstücke aus dieser Zeit vernachlässigt haben, und „Insides“ bewahrt ihn – die leisen Stücke sind wirklich leise, nicht nur weniger laut, und die lauten Stücke brauchen Raum, damit die tiefen Frequenzen sich entfalten können. Auf einem Laptop wird das Ganze zu einer angenehmen Gleichförmigkeit. Auf einer ordentlichen Anlage leisten die Stillephasen die Hälfte der Arbeit. Man nimmt den Raum zwischen den Stücken wahr. Man nimmt wahr, dass die Leute nicht reden.
Damals erzielte es eher respektable als spektakuläre Ergebnisse: Metacritic bewertete es mit 75 Punkten, es erreichte Platz 15 der Dance/Electronic-Charts von Billboard, und PopMatters zählte es zu den zehn besten Elektronik-Alben des Jahres. Nicht wenige Kritiker ordneten ihn damals noch dem Produzenten von Coldplay zu, was heute seltsam anmutet. Im folgenden Jahr komponierte er die Musik für „Monsters “. „Immunity“ erschien 2013 und erntete den Großteil des Lobes für das, was „Insides“ bereits vorgemacht hatte.
Die Doppel-LP aus dem Jahr 2009 ist eine 180-Gramm-Ausgabe mit einfachem Einband und einem 12-Zoll-Beileger, auf dem die Mitwirkenden aufgeführt sind. Eine lohnende Entdeckung.
Spielt es von Anfang bis Ende der Reihe nach ab, bei gedämpfter Beleuchtung, sodass sich niemand beobachtet fühlt. Achtet dann darauf, wann die Atmosphäre wieder zurückkehrt.
Kurze Fragen
Wurde „Insides“ als Album konzipiert?
Zum Teil. Einige Stücke waren seit „Contact Note“ im Jahr 2004 sporadisch entstanden, doch ein wesentlicher Teil geht auf Musik zurück, die Hopkins für „Entity“ komponiert hatte, ein 2008 im Auftrag des Choreografen Wayne McGregor entstandenes Stück. Der tänzerische Ursprung ist vor allem in der Abfolge der Stücke zu hören.
Warum kommt mir „Light Through the Veins“ so bekannt vor?
Denn es erschien 2008 auf ColdplaysAlbum „Viva la Vida or Death and All His Friends“, noch bevor „Insides“ veröffentlicht wurde. Hopkins hatte gemeinsam mit Brian Eno an diesem Album gearbeitet. Die meisten Hörer sind dort zum ersten Mal auf das Stück gestoßen.
Warum ist bei einer Platte wie dieser die Reihenfolge der Titel wichtiger als die einzelnen Titel selbst?
Denn ein Album, das man von Anfang bis Ende anhört, ist etwas ganz anderes als eine Wiedergabeliste. Die Wirkung von „Small Memory“ hängt ganz davon ab, was davor kommt – eine Minute und dreiundvierzig Sekunden Solo-Klavier wirken nur dann wie eine Erleichterung, wenn man gerade achtzehn Minuten voller Schwere hinter sich hat. Die Zufallswiedergabe zerstört diesen Effekt. Genauso wie das Überspringen von Titeln.
Rafi Mercer schreibt über Orte, an denen Musik eine wichtige Rolle spielt. Wenn Sie weitere Beiträge aus „Tracks & Tales“ lesen möchten, abonnieren Sie den Newsletter hier oder klicken Sie hier, um mehr zu erfahren.
