James Blake – James Blake (2011)

Von Rafi Mercer

Nicht alle Alben, die man sich anhört, klingen so. Manche strahlen Wärme aus, andere schwingen mit Holz, Blechbläsern und Rhythmus. Doch „ “, das Debütalbum von James Blake, lockt einen nicht mit seinem Klang in seinen Bann – es hält einen auf Distanz, irgendwo zwischen Intimität und Abstraktion. Und genau darum geht es.

Ich erinnere mich noch daran, als ich es zum ersten Mal hörte – spät im Winter, das Haus fast ganz dunkel. Die ersten Akkorde von „Unluck“ klangen wie Rauschen, das sich in ein Gebet verwandelte. Karg, kalt, wunderschön. Ich wusste nicht, ob es mich trösten oder herausfordern wollte, aber ich blieb still sitzen und überließ ihm die Entscheidung.

Blake geht beim Aufbau von Emotionen sehr diszipliniert vor. Jeder Klang wirkt, als würde er vor dem Ertönen sorgfältig abgewogen. Der Gesang schwebt am Rande des Zusammenbruchs; Synthesizer-Klänge entfalten sich und vergehen wieder; der Bass setzt ein wie ein Atemzug an einer Glasscheibe. Es ist Musik, die sich jeder Selbstgefälligkeit verweigert. Und doch geschieht in dieser Zurückhaltung etwas Erstaunliches – durch die Risse beginnt ein Gefühl zu leuchten.

Er war zweiundzwanzig, als er das hier schuf – nur wenige Jahre nach seinen Anfängen mit „Bedroom Dubstep“ – und plötzlich die Stille wie ein Instrument einsetzte. Man hört die Tradition des elektronischen Minimalismus heraus, aber auch etwas Älteres: hymnische Kadenz, menschliches Zittern, eine stille Hingabe an die Unvollkommenheit. Es gehört zu jener seltenen Gattung von Alben, zu denen wir nicht aus Nostalgie, sondern zur Neuorientierung zurückkehren – zu der Art, die man eher still und leise im „Listening Shelf“ abgelegt erwarten würde, statt dass sie aus einem Veröffentlichungskalender herausgeschrien wird.

„Wilhelm Scream“ ist nach wie vor eine der großartigen modernen Studien zur emotionalen Rekursion. Der Text ist fast nichts – „Ich weiß nicht mehr, was ich träume“ –, wiederholt, umgekehrt, umgestaltet, bis er zum Mantra wird. Was zählt, ist nicht die Bedeutung, sondern die Bewegung, die Art und Weise, wie er in deinen Ohren zusammenbricht und sich wieder aufbaut. Über eine gute Anlage hallt der Subbass nicht nur nach; er ordnet den Raum neu – so wie es die besten Hörräume tun, wenn dem Klang erlaubt wird, die Luft richtig einzunehmen.

Dann gibt es noch „Lindisfarne I & II“ – mit Auto-Tune bearbeitete Fragmente und Falsett-Harmonien, die halb wie menschliche Stimmen, halb wie algorithmische Hymnen klingen. Das sollte eigentlich nicht funktionieren, tut es aber doch, denn Blake behandelt Verzerrung als etwas Intimes. Er glättet die Ecken und Kanten nicht, sondern hält sie ans Licht.

Das Album wirkt in seiner digitalen Hülle wie handgemacht. Man spürt die körperlichen Gesten hinter jedem Klang – eine gedrückte Taste, einen verschobenen Fader, einen angehaltenen Atemzug. Die Produktion hinterlässt Fingerabdrücke. Wenn in „Give Me My Month“ das Klavier einsetzt, klingt es nicht wie eine Aufnahme; es klingt, als würde der Raum selbst ausatmen.

Wenn man es sich heute anhört, vergisst man leicht, wie radikal sich dieser Minimalismus im Jahr 2011 anfühlte. Die elektronische Musik war darauf aus, immer mehr Lautstärke zu erzeugen; der Pop lernte gerade, Kompression als Spektakel einzusetzen. Und dann kam dieses Album – ein Album, das seine Stimme dämpfte und die Welt näher an sich heranrückte. Blake füllte den Raum nicht aus; er formte ihn. Er bewies, dass Stille, richtig eingesetzt, Rhythmus ist – eine Lektion, die bis heute in der modernen Hörkultur nachhallt.

Was mir an diesem Album am besten gefällt, ist dieses Gefühl der Ungewissheit. Es gibt nicht vor, irgendetwas gelöst zu haben. Es verweilt im Zwielicht zwischen Einsamkeit und Verbundenheit, zwischen Maschine und Mensch. Man hört, wie es sucht, statt zu predigen. Dieses Suchen ist die Kunst.

Das Cover – dieses verschwommene Porträt – sagt die Wahrheit: Identität in Bewegung, das Selbst, gesehen durch Verzerrung. Es ist der perfekte Spiegel für die Musik, die darin steckt. Blakes Stimme ist niemals einheitlich; sie ist verdoppelt, verzerrt, geisterhaft, menschlich und unmenschlich zugleich. Es geht weniger darum, das Selbst auszudrücken, als vielmehr darum, das Ego aufzulösen, bis nur noch der Klang übrig bleibt.

Irgendwann auf halbem Weg wird einem klar, dass es bei diesem Album genauso sehr darum geht, wie wir zuhören, wie darum, was wir hören. Es zwingt einen zur Entschleunigung. Es verlangt Geduld. Man beginnt, Details wahrzunehmen – winzige Pausen, Nachhall, das leichte Anheben einer Silbe –, die man im alltäglichen Lärm übersehen würde. Es schult die Aufmerksamkeit wie ein Objektiv, das den Fokus einstellt.

Hier herrscht Melancholie, aber kein Elend. Es ist eine sanfte Traurigkeit – die Art, die selbst im Durcheinander noch Schönheit wahrnimmt. „I Never Learnt to Share“ könnte ein Geständnis oder ein sich wiederholendes Gebet sein; „Limit to Your Love“ könnte ein Liebeslied oder ein Requiem sein. Jeder Titel gibt einem genug zum Fühlen, aber nicht genug, um zu einem Schluss zu kommen.

Durch Lautsprecher, die dem Klang Raum zum Atmen lassen, wird das Album zur Architektur – Räume aus Resonanz, Korridore aus Nachhall und Ausklingen. Man bewegt sich ebenso sehr durch das Album, wie man es hört. Es schmückt das Leben nicht aus, sondern ordnet es neu, wenn auch nur für einen kurzen Moment.

Und vielleicht ist das der Grund, warum es so zeitlos ist. Es hat einer ganzen Generation von Produzenten und Hörern gezeigt, dass Emotionen keiner Erklärung bedürfen und dass Verletzlichkeit auch in Präzision ihren Platz haben kann. Es hat eine Tür zwischen den Genres – Elektronik, Soul, klassischer Minimalismus – geöffnet und sie einen Spalt breit offen gelassen, damit andere hindurchschlendern können.

Wenn die letzten Töne verklingen, gibt es keine Auflösung, sondern nur eine Art Erleichterung. Man sitzt da und spürt, dass etwas Stilleres einen neu ausgerichtet hat. Die Welt da draußen hat sich nicht verändert, aber ihre Schwingung fühlt sich anders an.

Nicht alle Alben, die man sich anhört, klingen so –
manche heißen einen willkommen, manche fordern einen heraus –
aber nur wenige lassen die Stille so ehrlich klingen.

Rafi Mercer schreibt über Orte, an denen Musik eine wichtige Rolle spielt.
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