Henryk Górecki – Sinfonía n.º 3 (Sinfonía de los cantos de dolor) (1976)

Por Rafi Mercer

El inicio de la Sinfonía n.º 3 de Henryk Górecki es un ascenso lento: una única línea en las cuerdas que se eleva paso a paso, con paciencia, sin prisas, como si se subiera una colina en silencio. Se van sumando otras voces, capa tras capa, hasta que el sonido se convierte en una vasta llanura de resonancia. Nada se precipita. Nada exige. Es una música que se desarrolla a su propio ritmo, alargando el tiempo hasta que los minutos parecen horas y las horas, la eternidad. Compuesta en 1976 y subtitulada «Sinfonía de canciones tristes», esta obra tardaría casi dos décadas en encontrar un público amplio, pero cuando lo hizo se convirtió en uno de los fenómenos más inesperados de la música clásica moderna, vendiendo millones de copias en la década de los noventa y resonando mucho más allá de la sala de conciertos.

Górecki fue un compositor polaco nacido en 1933, cuya carrera se caracterizó por pasar de la experimentación vanguardista a un minimalismo despojado y profundamente espiritual. Con la Tercera Sinfonía, abandonó la complejidad y abrazó la sencillez, creando una obra que resulta monumental no por su densidad, sino por su paciencia y pureza. La sinfonía consta de tres movimientos, cada uno de ellos centrado en un texto cantado por una soprano, y cada uno de ellos aborda la pérdida, el sufrimiento y la resistencia del espíritu humano.

El primer movimiento pone música a un lamento del siglo XV de la Virgen María, que llora a su hijo junto a la cruz. La línea de la soprano entra en un registro agudo y lento, flotando por encima del denso entramado de las cuerdas, con una voz dolorida pero contenida. El segundo movimiento pone música a un texto escrito en la pared de una prisión de la Gestapo por una joven de dieciocho años, una súplica a su madre: «Oh, mamá, no llores». La música es suave, casi como una nana, desgarradora en su inocencia. El tercer movimiento utiliza una canción popular de Silesia sobre una madre que busca a su hijo perdido en la guerra; su dolor se plasma en una melodía de una sencillez devastadora.

En vinilo, la fuerza de la sinfonía se ve amplificada por la resonancia física de las cuerdas, y la calidez del sonido analógico acentúa su intimidad. Los largos arcos sonoros se despliegan por todo el campo estéreo; la voz de soprano, penetrante a la vez que tierna; los silencios entre frases, cargados de peso. Cuando se reproduce en un bar de música, el efecto es profundo. El primer movimiento sumerge la sala en el silencio; el segundo traspasa con tristeza e inocencia; el tercero deja a los oyentes suspendidos entre el dolor y el consuelo. No es música de fondo; es un acontecimiento, un acto colectivo de escucha.

Lo que hace que la Tercera de Górecki sea tan perdurable es su honestidad. No intelectualiza el sufrimiento; lo expresa con sencillez. No resuelve la tragedia; se sumerge en ella. Sin embargo, en su sencillez hay trascendencia, un recordatorio de que incluso en el dolor más profundo puede haber belleza, e incluso en el duelo puede haber comunión. La obra se describe a menudo como sacra, pero su fuerza es humana más que doctrinal, y trasciende los sistemas de creencias para llegar a algo elemental.

El inesperado éxito de la grabación de 1992 de la soprano Dawn Upshaw y el director David Zinman puso de manifiesto hasta qué punto esta música calaba hondo en los oyentes, mucho más allá del mundo de la música clásica. En una época de ruido y distracciones, su lentitud, su paciencia y su solemnidad resultaban un auténtico bálsamo. Desde entonces, se ha convertido en una piedra angular de la composición de finales del siglo XX, influyendo no solo en compositores clásicos, sino también en músicos ambientales, cineastas y cualquier persona atraída por el poder transformador de la sencillez.

Poner el disco de la Sinfonía n.º 3 es aceptar una invitación a la quietud, a la lentitud, a la presencia. No es música para cualquier momento, sino para aquellos momentos que realmente importan, cuando el mero hecho de escuchar se convierte en un acto de empatía. Medio siglo después de su creación, sigue siendo tan relevante como siempre, un recordatorio de que el dolor no solo se soporta, sino que se comparte, y de que en el sonido podemos encontrar consuelo.

Rafi Mercer escribe sobre los espacios en los que la música es importante. Paraleer más artículos de «Tracks & Tales»,suscríbete ohaz clic aquí.